Начинающим
Пожалуй, стоит начать раздавать советы тем, кто желает творить по двухмерной поверхности красками.
Как будто кажется, что на этом месте должны быть рекомендации, адресованные детям и школьникам, которых мамы и папы повели учиться в живописную студию или художественную школу.
Но нет, возраст тут не при чем.
Предполагаю, что информация на этой странице будет дополняться.
Поэтому приглашаю подписаться на мой Телеграм-канал, чтобы вы смогли получать актуальную информацию своевременно
1. Традиционные ошибочки в обучении
Возможно, в этом плане я отстала от жизни. Но, судя по тому, что система образования в целом и в частностях мало изменилась еще с советских времен, то и «ошибочки» остались там, где были.
Как учат в студиях и школах?
За редким исключением учат «технике», но не тому, а что с этой «техникой» делать, то есть как с ее помощью, собственно, Творить.
«Это невозможно — научить Творчеству!», — скажет кто-то из вас.
Примерно в том же уверены и преподаватели рисунка, живописи и композиции.
А я отвечу, что вы ошибаетесь.
Фото из открытых источников. Пишите в комментариях - знаете ли вы эту картину и автора?
«Не могу научить Творить» и «Научить Творить невозможно» — это разные истории, разного происхождения.
Одна из самых трагических ошибок преподавания — бросить ученика и ждать, когда он «сам догадается» и/ или молча ожидать, когда его наконец-то «посетит Муза», которая выявит наличие «природного таланта».
Конечно, это бросание часто или всегда пакуется в обертку под девизом «Не буду мешать!».
Уважаемые учителя и преподаватели, пока вы ждёте произвольных проявлений Таланта, ваш ученик со скоростью самолёта теряет уверенность в себе, поскольку на него «не обращают внимание», его бросили.
Он начинает догадываться, что он «бездарь», «ничего не может и не сможет».
Фото из открытых источников. Пишите в комментариях - знаете ли вы эту картину и автора?
Просто потому, что учитель/ преподаватель не подходит к нему так же часто, как к тем ученикам, у которых уже «проклюнулся» Талант, который понятен и очевиден вам, как учителю и как «творческой единице».
Акцентирую на этом внимание: Талант или Бездарность, которые обнаружили вы лично, это ваше личное видение.
Оно справедливо только для вас.
Это неплохо, но это только один, ваш личный взгляд, который не является «окончательным и фактическим».
А вдруг вы ошиблись?
Своим Невниманием, Невмешательством в процессы, ожиданиями чуда спонтанного проявления Таланта у ученика, вы заняты лишь Бросанием. Вместо обучения.
Фото из открытых источников. Пишите в комментариях - знаете ли вы эту картину и автора?
По своему опыту знаю и, как позже выяснилось, мой опыт не является уникальным.
— Добрый день, Иван Иванович! Сколько лет, сколько зим… Скажите, если не секрет… Помните, на ваших занятиях вы ко мне никогда не подходили. Около других детей стояли по-долгу, что-то советовали и обсуждали. А ко мне за все пять лет учёбы подходили раза три-четыре и на полминуты. Что это было?
— Господь с вами, любезная! Зачем же к вам подходить, если вы прекрасно работали?! Еще тогда я заметил, что у вас Талант. Еще в первом классе я заметил вашу Одарённость!
— А что вам мешало сказать об этом мне?
— Ничего не мешало. Я не хотел вмешиваться, не брал на себя ответственности вмешиваться в ваше творчество. Если у ученицы всё в порядке, зачем к ней подходить и что с ней обсуждать?
То есть отсутствие так необходимой «обратной связи» от наставника аргументируется «осторожностью и невмешательством».
Как раз тогда, когда Талант нуждается в этой «обратной связи» ни чуть не меньше, чем Бездарь.
Воистину «таланту надо помогать, а бездарь пробьется сама».
Поскольку львиная доля художников «сама не понимает, что пишет» (на фоне отсутствия осознанности и мистифицирования творческих процессов), то вприпрыжку проецирует свои особенности в тех, кто пришел к ним Учиться.
В заключении этой части…
«Я не могу научить» и «этому невозможно научить» — это про (проблемы) Обучающего, но не Обучающегося.
«Не мешаю» вообще не равно «Помогаю».
2. «Насмотренность», о которой все говорят
«Нужна насмотренность», — требуют учителя/ преподаватели.
Ну, окей.
А «насматриваться» — это как?
Фото из открытых источников. Пишите в комментариях - знаете ли вы эту картину и автора?
Да, это про частое/ постоянное посещение музеев и выставок.
Да, это про какое-никакое, но хоть какое-то «искусствоведческое» знание, учебные курсы по истории искусств вообще и истории живописи в частности.
Что принято делать с этими знаниями?
Верно, опять «тихо не вмешиваться», «не мешать» и ждать, когда «количество перейдет в качество».
Не знаю, как у продолжающих и заканчивающих художников, но у начинающих и юных времени как раз нет или его сильно меньше. Как это ни парадоксально звучит.
Начинать надо Сейчас, сразу, мгновенно и сейчас, а не после того, как рак на горе повесится. Нет времени на раскачку, простите за такой каламбур.
Не ошибается тот, кто ничего не делает. Раньше наошибаемся, раньше поймём, как «надо на самом деле».
Фото из открытых источников. Пишите в комментариях - знаете ли вы эту картину и автора?
Как смотреть на картины великих или не очень великих авторов
А главное — какие вопросы следует задавать самому себе, стоя напротив картины?
Не только задавать, но и отвечать на них честно, самому себе и в формате «сейчас и здесь», как говорят, «в моменте».
В наилучшем случае стоит вести «дневник наблюдений», — это рекомендация для неленивых.
Фиксировать свои исследования на бумаге, на диктофоне, в заметках гаджета, но таки фиксировать.
Потом пригодится перечитать и найти что-то внезапное или новое для себя.
1. Конечно, начинаем с общего впечатления.
Какое оно? Просто ответьте на этот вопрос самому себе.
Вы подошли к картине и через 2-3 секунды спросите себя: «Какое у меня впечатление от картины в эту секунду?».
2. Про эмоции и чувства.
Тоже «притормозите», не спешите.
Это не такой простой вопрос, как кажется: «Какие чувства и эмоции вызывает во мне эта картина?».
У кого есть проблемы с называнием чувств и эмоций приглашаю сюда
3. Рассматриваем правильно!
Лучше подойти к картине вплотную, если нет ограждения, конечно.
Руками не трогать!
Всё хорошенько рассмотрите:
- какие краски применил автор (масло, акрил, акварель и т.п.);
- если автор выбрал бы другие краски, то что изменилось бы;
- сколько цветов, оттенков и их сочетаний вы насчитали;
- какой основной цвет (если он есть) и почему именно такой основной выбрал автор;
- какую технику наложения красок (как вел кисть, какие мазки, направления кисти) выбрал автор и почему, на ваш взгляд именно такую;
- с чего начал автор (с какого угла или из центра, или…) и в какой последовательности шел по холсту (сверху — вниз, хаотично, от нижнего угла и т.п.);
- что было в процессе написания (возможно, автор пролил краску или делал паузу, или бросил работу на несколько недель/ лет, или «всё переделывал», или написал картину «одним взмахом», или начал писать только после пары десятков набросков…);
- почему автор назвал картину именно так, и как вы назвали бы эту картину.
То есть попросту «напишите картину вместе с автором».
У вас нет задачи прикинуться экстрасенсом и «увидеть реальность».
Ваша задача — освоить и «переварить» картину, осознанно при этом.
4. Отойдите от картины, перейдя к другим картинам или просто погуляйтесь несколько минут.
Затем вернитесь и попробуйте отследить динамику вашего восприятия.
Когда вы подошли к картине второй раз, то как изменилось (если изменилось) ваше первое впечатление (п.1) и как изменились (если изменились) ваши эмоции и чувства (п.2)?
5. Этот пункт для особо пытливых и любопытных: напишите эту картину по памяти.
Не копию с натуры, а по памяти. Сравните оригинал и вашу вариацию.
Что обнаружили? Какие чувства?
Фото из открытых источников. Пишите в комментариях - знаете ли вы эту картину и автора?
«Насмотренность» — это работа для того, кто учится Творчеству, это неотъемлемая часть обучающего процесса, как и любая другая, вроде уроков по академическому рисунку.
Поэтому отнестись лучше по всей серьезностью.
Вариант «посмотрел, ушел ждать, когда само переварится, и Муза сама прилетит (или не прилетит)» — это непрофессионально.
Хотите Творить? Начинайте с Работы/ Рутины.
3. Проблема первого мазка
Не такая уж и редкая проблема… Сидит автор перед холстом и тупит, простите.
Смотрит на чистый пустой холст, смотрит на натуру и ничего не происходит.
В голове кавардак. И рука никак не поднимается сделать первое движение. То, которое самое первое.
Преподаватель запретил пользоваться ластиком. Как сделать первую черту карандашом или красками?
Задание — натюрморт или гипсовая фигура, например.
Время идёт, «затык» остаётся без динамики: «У всех половина натюрморта готова, а я еще не начинал/а».
Такая проблема была и у меня.
Спасла меня, сама того не зная, такая же барышня, в художественной школе.
Она сидела чуть впереди меня, и я видела, как она долго мучается.
Я наблюдала.
Сначала она долго «раскачивалась», при чем буквально, как молящийся у Стены Плача, бледнела, краснела, бледнела.
Потом подбирала на кисть краску и наотмашь бросала ее на холст.
От души, так сказать. Как рука ложилась, так краску и бросала.
Если это был натюрморт с красными цветами, она брала красный цвет и замахивала на холст, как придётся.
После этого её «отпускало» и, как мне казалось, она принималась «исправлять» сделанное.
В процессе этого «исправления» всё складывалось само по себе.
Если это была гипсовая фигура, вроде головы Аполлона Бельведерского, она очень криво, но без нажима обозначала на бумаге его кудри.
И также принималась «исправлять».
Как это работает?
Пустой лист — он и есть Пустой. Нет ничего на нём. Если ничего нет, то и преобразовывать нечего.
Если сделать принудительную «ошибку», то холст перестаёт быть пустым.
Появляется материал, повод для дальнейшей работы: «Есть, что исправить и переделать».
Такой способ я использовала, пока он не перестал быть актуальным.
Иногда надо сделать ошибку нарочно, чтобы пойти дальше.
